Sobre Desterritorializaciones

Aquí dejo el link a mi blog "Desterritorializaciones"

un blog sobre migración, exilio, destierro, mestizaje, transculturación... un dispositivo multilineal para "hacer ver y hablar".

El exilio es la cesación del contacto con

un follaje y de una raigambre con el aire

y la tierra connaturales; es como el brusco final de un amor, es como una muerte inconcebiblemente horrible porque

es una muerte que se sigue viviendo conscientemente.

J. Cortázar

http://desterritorializaciones.blogspot.com

J. Rancière y la "nueva topografía de lo posible"

Al hilo de lo que os he comentado en la charla sobre mi dispositivo "neomedial" y como no me ha dado tiempo a citar el texto de Jacques Rancière sobre la educación colectiva, aquí lo tenéis:

"La inteligencia colectiva de la emancipación no es la comprensión de un proceso global de sujeción. Es la colectivización de las capacidades invertidas en esas escenas de disenso, es la puesta en marcha de la capacidad de cualquiera, del atributo de los hombres sin atributos".
"Creo que hay más por buscar y por encontrar actualmente en la investigación de ese poder que en la interminable tarea de desenmascarar los fetiches o la interminable demostración de la omnipresencia de la bestia".

RANCIÈRE, Jacques: El espectador emancipado. Buenos Aires. Manantial. 2010

Molécula Vibrátil

"Pasa a través de los reinos, circula entre las moléculas hasta devenir una partícula rara que medita hasta el infinito sobre el infinito…"
Deleuze y Guattari

Este dispositivo está compuesto por un conjunto de elementos heterogéneos que parten de discursos filosóficos, sociológicos, políticos y artísticos.
Este blog, es un formato multilineal que permite a todas las personas verlo y hablar, así como compartir información para que esta fluya de manera instantánea. Es por tanto un trabajo que contribuye a la democratización de la cultura. (Susan Buck-morss)
En las obras de net-art o el formato blog, como el aquí expuesto no hay un -yo, tampoco un espejo, sino que hay una cartografía, un mapa, un diagrama y una mirada hacia los otros descentralizadora, de pluralidades, de transversalidades.

"No os desviaréis de la mayoría sin un pequeño detalle que empieza a crecer y que os arrastra. Porque el héroe de Focus, el americano medio, necesita gafas que dan a su nariz un aire ligeramente semita, "a causa de las gafas", va a verse metido en esa extraña aventura del devenir-judío de un no-judío. Cualquier cosa puede servir, pero el asunto se revela político. Devenir-minoritario es un asunto político y recurre a todo un trabajo de potencia, a una micropolítica activa. Justo lo contrario de la macropolítica, e incluso de la Historia, donde más bien se trata de saber cómo se va a conquistar o a obtener una mayoría. Como decía Faulkner, para no ser fascista no había otra opción que devenir-negro".
Deleuze y Guattari

Mapa. 2005
Cartografía hecha extrayendo los colores de los tejidos de las ropas de distintas culturas. El proceso de fermentación consistió en dejar las ropas envueltas en una sábana blanca durante una semana empapadas en disolvente universal. La transferencia se realizó con tejidos colombianos, egipcios, occidentales, árabes, indios, etc.
El resultado fue:


Para visitar este blog ir a:
http://lamoleculavibratil.blogspot.com/

Valvedicious Land Corporation.

Shopping Life

El espectador tiene la necesidad de asomarse por la mirilla de la sala de cría como un volleur para admirar lo que el objeto esconde en su interior, estar a rás de un recinto objeto que produce y es lujo; sentir y rozar el objeto para percibir el deseo de este, el cual sólo una persona será capaz de poseerlo: el Mecenas (recuperacion de la importancia del mecenazgo para el joven artista y para completar la obra).

"Shopping Life" es un objeto que se presenta como una pieza audiovisual. este dispositivo formalmente recuerda a las fachadas en talud de los templos egipcios (lugares para la ostentación, el recogimiento y el peregrinaje), y remite a un bolso (privado) tanto en su uso como en su forma y tamaño. Tambien se asemeja a una colmena o apiario (estamento).

El artefacto creado es un objeto estamental dividido en tres cuerpos; en los dos inferiores se encuentra la sala de cría, presidida por una V de Valverdicious (marca que representa al imperio de la factoría) realizada con cera de abeja y huevos-perla. En el estamento superior, el de mayor dignidad y poder, encontramos en el lado izquierdo un lugar destinado para depositar DNI y tarjeta de crédito (identidad y economía) aspectos que se completan con los originales del Mecenas. Por otro lado, en el derecho se deposita un I-pod, icono pop de actualidad. En el, queda recogido en bucle un video de las abejas reina del templo, las modelos-musa de la factoría. El dispositivo se competa con un ultrasonido mosquito de 17 Khz que solo es percibido por edades comprendidas desde los 0 a los 24 años aproximadamente. Este sonido se emplea en las plazas para extinguir botellones y en las tiendas de clase alta para evitar el vandalismo, es decir, que los adultos no son capacer de percibir la molestia del sonido gracias a la degeneración que se produce con la edad en el tímpano.

Shopping Life

2010

Técnica mixta

65x60x35 cm

I-pod con audiovisual en bucle

ultrasonido mosquito de 17 KHZ

Carlos Valverde Martínez

Contacto: Valverdiciousland@gmail.com

Javier Acero

Intuición experimentación prospección investigación interpolación desazón relación construcción demolición deconstrucción  alienación desproporción

disfrutar degustar enfocar desenfocar mover juntar arrancar separar mejorar aplicar desenlazar copiar pegar emocionar documentar andar crecer imprimir proyectar espiar romper relentizar acelerar repetir
secuencias instalaciones email ruidos  loops grabaciones proyecciones  

el proceso el resultado el método el medio

grabo proceso imagino corto monto instalo

http://aoproyectos.blogspot.com/

Colección III,CA2M

22 ENE – 24 ABR 2011
COMISARIO FERRAN BARENBLIT

Se trata de una recopilación heterogénea en cuanto a técnicas y temáticas, donde se pueden encontrar : pinturas, esculturas, grabados, fotografías, instalaciones, etc.Esta diversidad permite un acercamiento a algunos de los interrogantes que quiere abrir de forma recurrente la cultura contemporánea, y en particular el arte actual.Donde un buen número de piezas plantean preguntas al propio arte y a su papel como activador de cuestionamientos individuales y políticos.

“La sensibilidad es hoy el campo de batalla político”

Franco Berardi nos habla de arte, activismo y terapia. Un alegato para reactivar la sensibilidad y la empatía. ENTREVISTA

Ramón de la Blanca

“El verdadero viaje de descubrimiento no consiste en buscar nuevos caminos sino en tener nuevos ojos”. Marcel Proust.

Concibo la creación como una experiencia asociada al viaje, entendido éste al modo Proustiano. Busco renovar mi mirada constantemente para llegar a nuevos destinos expresivos. Esta búsqueda me lleva a tomar direcciones opuestas que con frecuencia se materializan en palmarias contradicciones estéticas y formales.

Utilizo la fotografía, aunque me interesan los discursos expresivos fronterizos, la interrelación de lenguajes. No soy metódico ni temáticamente homogéneo: mi obra es fruto del momento concreto en el que la ideo y de las inquietudes y preocupaciones personales, sociales o estéticas que me asaltan puntualmente. A veces propicio las situaciones artísticas y otras, en cambio, me baso en lo que encuentro fortuitamente.


En la actualidad, trabajo en una redefinición de la nostalgia, con el objeto de generar nuevos mecanismos de relación entre individuo y tiempo para replantear el concepto de progreso acumulativo que impera en el sistema actual. Estoy convencido de que la pérdida no debe ser inherente al progreso, sino que debe serlo la racionalización y la inteligibilidad de los cambios.

Creo en el poder transformante de la imagen mediante sus atribuciones visuales. En consecuencia, presto especial atención a la composición, a la forma y al color. La atribución de sentidos la deposito en el otro, yo proporciono la foto y un título que testimonian mi experiencia personal con lo fotografiado . Es esta erótica de transformación momentánea de la realidad de lo representado, del espectador, y de la mía propia, la que me mueve en gran medida como creador.

VIRGINIA LÁZARO VILLA

VIRGINIA LÁZARO VILLA

Imagenes pertenecientes a MUSEO1.0 / Útiles para museo
http://espaciomuseo.blogspot.com/
Dossier 
 http://virginialazarovilla.blogspot.com/

Galería Helga de Alvear.ANGELA DE LA CRUZ. Transfer

Del 20 de Enero al 5 de Marzo de 2011

Angela de la Cruz realiza su primera exposición individual en dicha Galería. Dentro de su objetivo por alcanzar lo escultórico, un paso fundamental fue la incorporación de objetos, muebles, que en general, habían sido encontrados o recuperados de la calle. Así las sillas prolongan sus patas con prótesis burdas y evidentes que hacen casi imposible el equilibrio, los armarios se arrugan para intentar confinarse en cajas demasiado pequeñas para ellos y las estanterías se pliegan como un acordeón al chocar con el suelo.

En distintas ocasiones se ha hablado del paralelismo o, mejor dicho, del reflejo de su biografía en relación a las acciones que sufría su obra. En otras, De la Cruz ha llegado a afirmar que veía el bastidor como “una extensión” de su propio cuerpo. Finalmente, determinadas obras tienen una relación simbólica con la artista, especialmente en las formas geométricas o en los tamaños y proporciones que utiliza.

Finalmente habría que destacar el sentido del humor,con que la artista contempla su propia obra y que se pone en evidencia en títulos como “Hung”, “Squashed” or “Deflated” con los que casi parece que se burlara de sus creaciones.

DANIEL LLARÍA

Como enseñan a / como partirse en, 2007-2010, vídeo-instalación, medidas variables

Ante lo variado y cambiante de mi práctica he decidido presentar la parte por el todo apróximandome a una única vídeo-instalación: "Cómo enseñan a / cómo partirse en".
Extracto de un texto de Aimar Arriola.

Daniel Llaría conoce bien el deseo, con su anverso y reverso. En su quehacer, el deseo es el motor de un proceso continuado de des-aprendizaje, pero un motor cuya energía ha de ser administrada con cautela, pues hay riesgo de explosión. Este des-aprendizaje no tendría tanto que ver con la reversibilidad del conocimiento, con el vaciado de saber, en sentido nietzscheano, sino con una necesidad de establecer barreras a la acción y poner límites a la experiencia. Él lo define como un proceso de des-aprendizaje en cuanto que procedimiento de re-alienación. En su acepción corriente, alienación tendría el mismo sentido que enajenación, y designaría la privación transitoria del juicio. Pero la alienación puede ser también un proceso auto-inducido, con fuerte capacidad de emancipación.
El personaje protagonista del vídeo Como enseñan a / como partirse en está sumido en un aparente estado de alienación. Un cuerpo enfrentado a la cámara, con sus manos en primer término, desarrolla una cadena de acciones absurdas, aparentemente inconexas: se ata una brida de plástico a la muñeca, enciende un petardo con un mechero, se golpea el dedo con un martillo, se prende un lazo rojo, se derrama encima una terrina de leche, se pone un guante de trabajo, enseña los genitales, destroza un CD, y finalmente muestra un espejo en el que se refleja quien tiene enfrente, re-instituyendo la cadena de acciones como un proceso de comunicación (¿con “el Otro”?, ¿con nosotros?, ¿con él mismo?).
La relación del personaje con el entorno, y también consigo mismo, es de extrañamiento: el sujeto/cuerpo se abstrae y deviene fondo —median- te el procedimiento técnico del chroma key— y sus manos quedan aisladas en la imagen, como amputadas, adquiriendo una inquietante autonomía. A través del despliegue acumulativo de recursos propios del vídeo (la edición, los efectos, el sonido, etc.), el trabajo reivindica el medio en su especificidad como significante, y parece querer desplazarnos de la alienación de la experiencia provocada por la automatización de los mecanismos de la percepción.

Enlace Vídeo (color y sonido) 4’04”

Soraya Triana Hernández

Lo que me motiva a la hora de trabajar es la posibilidad de poder transformar la realidad a través de la pintura, creando un nuevo escenario ilusorio en el que la tactilidad y poder cromático de los materiales me sumergen en una vivencia casi primitiva de mi entorno.

La llave que me permite abrir esa realidad es mi visión, desde un punto de vista puramente sensitivo; por ello el ojo y el color de la realidad tienen un gran peso dentro de mi proceso plástico.

Del mismo modo necesito tocar, mancharme y sentir todo lo que rodea a la pintura, la cual es el punto de partida para el conocimiento de mi realidad, y las realidades creadas a lo largo de la historia por gente que necesitaba comprender su entorno a través del arte.

Mis padres pictóricos son muchos. Me gustaría destacar las figuras de Esteban Vicente por el poder luminoso de su color, Constan Permeke por la profundidad de su paleta dorada, José María de Garayo por la espacialidad de su pintura y a Auerbach por la exquisitez matérica y la objetualidad de su obra

La representación del espacio es el eje temático que une todos mis trabajos. Por lo general, utilizo espacios que pertenecen a mi cotidianeidad y que siento como propios.

Por otro lado mi búsqueda plástica es encontrar la esencialidad de la representación pictórica; por lo que la pintura es la que termina mandando sobre la configuración final de la obra.

Charlotte Adde

Charlotte Adde

Mi interés por los árboles y sus formas empezó hace más de diez años cuando empecé a crear un pequeño archivo de imágenes.

De ese archivo nació el año pasado una serie de dibujos posteriormente estampados en serigrafía. El siguiente paso en la misma serie fueron los recorten láser de acero corten. Es una colección, igual que el archivo fotográfico, en expansión. Las sombras o las siluetas de las diferentes especies tienen cada uno con su ritmo, movimiento y forma. Pero también es la búsqueda del arquetipo de la planta o en este caso el árbol representado. Me llama la atención las fuerzas o los patrones que parece que esconden en su crecimiento. Así nació mi interés por las matemáticas relacionadas con la naturaleza.

Junto al carácter visual y estético la obra también comparte un modesto rasgo botánico y científico. La taxonomía es la ciencia que trata los principios, métodos y fines de la clasificación. En este trabajo intento clasificar las sombras de los árboles.

1998 Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense, Madrid.
Desde 1998 se dedica plenamente a la pintura y el grabado y expone en Suecia y España regularmente.
Recibe la beca de creación artística de Paradores de Turismo y entre otros premios el del público en FLECHA 2007.
Está representada en la Embajada Americana, Parador de Turismo de Nerja, las oficinas de Aguirre-Newman en Madrid y ha realizado un encargo monumental para el edificio “IRIS” en Madrid. En 2009 fue la artista elegida para realizar un exclusivo regalo de navidad para 420 clientes de Telefónica.
Colabora con la Galería Alexanda Irigoyen desde 2006 donde ha realizado varias exposiciones individuales y colectivas. También ha expuesto sus obras en de-Autor, La Nave del Arte, MAES, Fine Arts Gallery. Todas en Madrid.
Desde 2002 ha participado en las convocatorias de la feria F.L.E.C.H.A. y en 2006 en la feria de grabado ESTAMPA, 2008 Art Karlruhe, Alemania y Art Madrid (2007, 2008, 2009).
En 2006 abre su propio espacio de exposiciones en Suecia donde expone todos los veranos. También es miembro del colectivo artístico Norra Ölands Konstnärsgille y Escorial Estudios Abiertos.

Olalla Gómez Jiménez

Dentro de mis trabajos las cintas de enmascarar son algo recurrente; sirviéndome de secuencias, tiras verticales cuyo significado es un código en sí mismo, un código que constituye, reconstituye o destruye. Como el código genético o los códigos de barras que en sí mismos guardan una información que nos puede transportar a elementos extintos y volver a constituirlos, o en sentido inverso, pasar de elementos pasados a elementos presentes. Anteriormente mi obra estaba centrada en la pintura en la que  investigaba cómo los ordenadores descomponían y reconfiguraban las imágenes fotográficas, y el efecto que tenían sobre como vemos las escenas que nos rodean.Lecturas de “segunda mano” visualizadas a través de un parpadeo y el filtro de la pantalla. Fotografías seductoras y sintéticas a la vez, formas y patrones que interrumpen el elemento realista. trabajaba con imágenes de los mass media que transcribía al lienzo, dando como resultado una imagen abstracta y realista a la vez, estudiando los métodos de construcción y percepción de imágenes y otorgándo a cada imagen un ritmo tiempo y materia de la que carecen hoy en día.

A medida que trabajaba en proyectos en los que incluía fotografía o instalación la experimentación con los códigos, las cintas de enmascarar y el propio discurso iban generando nuevos planteamientos. Mis intereses principales son la conformación de la identidad, tanto individual como colectiva y por ende su memoria o amnesia en un mundo líquido e hiperconsumista. Toda una red, una trama llena de códigos, fragmentos y resquicios que releer.

Carlos A. Terroso

En mi obra existen dos flancos abierto, que cada vez con más coexisten entre ellos.

Por un lado la pintura me hace posible un acercamiento con la plasticidad de las imágenes en su sentido más primario y visceral. Creo texturas a partir de las que se dan en la naturaleza, intentando que pronto olviden un posible aspecto narrativo de la obra acercándolo más a un una pintura de asociaciones abstractas cercanas al tacto.
Por otro lado, la fotografía y los métodos digitales me permiten jugar con el imaginario colectivo. Trato las imágenes ya no como testigos de algo, sino como un retrato de sí mismo; planteando el cimiento del conocimiento como algo ficticio aprovechando la narratividad de las imágenes. Un proceso de reflexión del pasado y el presente.


Carlos A. Terroso, (Casar de Cáceres, 1983) está licenciado por la Universidad de Salamanca en Bellas Artes y diplomado en dirección de Fotografía por la Escuela de Cinematografía y Audiovisuales de la Comunidad de Madrid. Ha trabajado en más de cincuenta cortometrajes, publicidades y documentales como operador de cámara, gaffer y director de fotografía. Compagina su trabajo como director de fotografía, con la pintura, fotografía y el diseño gráfico.

Bobina / ShowReel - http://vimeo.com/11224425

MARÍA MARTÍN AYALA

www.mariamartinayala.com

Irene Marcos

Materiales como el hierro, la piedra, el mimbre, la madera, el barro o las hojas de los árboles me producen sensaciones agradables que no puedo explicar fácilmente -podría decirse que atávicas- sensaciones que estamos perdiendo, concentrados y absortos en los entornos urbanos, donde la inmediatez, la practicidad y la artificialidad parecen prevalecer sobre todo lo demás. Me interesa tanto el vacío como la materia, el instante como el proceso.

La serie de fotografías Steel life, surgió durante la elaboración de la pátina de una escultura. En un momento, comenzaron a surgir manchas de color de gran belleza. Observé que el óxido no dejaba de transformarse, evolucionar y sorprenderme. Comenzó así la inquietud de capturar esos momentos, registrar un instante de una pieza creada para evolucionar y envejecer lentamente a la intemperie. El óxido se revela en esta serie como una característica atribuible a un objeto que ya ha vivido pero que aún continúa latente y activo acogiendo en su superficie toda experiencia vital.

Licenciada en Comunicación Audiovisual y Bellas Artes no creo que nunca me canse de aprender e interesarme por todo lo que me rodea. Mi actividad suele desarrollarse entre los campos de la escultura, la fotografía y el diseño gráfico; No he escogido una especialidad dado que me interesa disponer de un amplio abanico de disciplinas con las que nutrir mi trabajo, mostrando un particular interés por temas relacionados con la naturaleza y la cultura rural.

Estibaliz Saez de Asteasu

Último trabajo realizado:

Creación de personajes mitológicos para el proyecto Adultos.

Juno o Hera

Diosa del cielo y la fertilidad. Esposa y hermana del Dios Zeus.

atributos: corona, pavo real y lanza

Soportes, herramientas e intereses:

Mi trabajo surge de la necesidad de comunicación. Es mi manera de dialogar con el espectador y conmigo misma.

Gracias al bombardeo continuo de imágenes al que estamos sometidos y la ausencia de preparación para ello, es difícil establecer una comunicación primero porque normalmente no se espera respuesta, ni siquiera en el campo del Arte.

Sin embargo creo que es posible una comunicación y me gusta pensar que el artista puede actuar como mediador de universos paralelos. Provocar una sensación o posicionamiento es mi objetivo. Adoptar un papel como gestor simbólico o productor cultural en la sociedad.

Para ello, observo y recojo significados que transformo en mi trabajo para expresarlos de diversas maneras.

Los soportes que permiten códigos comprensibles como lo son los símbolos y que aludan a experiencias comunes son mis herramientas de trabajo, especialmente el dibujo y la educación.

La crítica, alusión a la memoria colectiva y el humor, por ejemplo, son algunas de las herramientas que considero efectivas.

Aunque los discursos de cada cultura sean diferentes y en su mayoría estén condicionados por la economía, creo que el arte debería existir en todas ellas y no orientarse para cierto sector acomodado de la sociedad urbana.

Con esta idea, estoy investigando sobre nuevos lenguajes y conceptos que puedan estar en consonancia con mis intereses, herramientas y/o soportes.

La Mina: Hannah Collins

Mario Espliego

Hola comapañeros ahi os dejo en enlace de mi web..

http://www.marioespliego.net/

También podeis ver la web de www.intransit.es

que tiene un archivo donde aparecen obras de los seleccionados del año pasado, una entrevista y demás..

MARÍA MARTÍN AYALA

¿Pueden coexistir la armonía y la contradicción en un mismo acto?

Mi respuesta es sí, si la estética consigue envolverlas.

Lejanía y proximidad, abstracción y concreción, naturaleza y artificio, el todo y

la parte, realismo y surrealismo, concreción y dispersión, lo que se ve y lo que

no se puede ver al mismo tiempo, etc.

Todas estas que se podrían definir como contradicciones, son ejemplo de lo

que pretendo decir.

Se podrían seguir enumerando y combinando aspectos en apariencia más o

menos contradictorios. Daría igual, las tres dimensiones que nuestros sentidos

son capaces de distinguir, no tienen que ser las únicas.

Como cualquier profesional de la pintura, me acompañan siempre mi

preocupación por la estética y mi limitación al abordarla.

Otros lo han hecho de otras maneras y formas. Por mi parte, yo, siempre

insatisfecha, busco que la obra se aproxime a esos objetivos de la estética y la

armonía; hacer nacer lo bello y que el todo se corresponda con la parte.

"Cubo"

Trinidad Irisarri

Termine la carrera en el 1983 y desde entonces me dedico al desarrollo de mi obra personal.
Desde el 2003 doy clases de pintura en una escuela privada.
Mis ultimas exposiciones son:"Cuadenos".Galeria Adora Calvo.Salamanca,15 enero 2011-5 marzo 2011

y "Otoño 2010" en el MNCARS

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/2010/otonno-2010.html

Personalmente me interesa trabajar en la zona límite, en los márgenes del arte.
Al trabajar lejos de zonas cómodas y sin problemas que concitan un éxito social fácil, es cuando se empieza a descubrir otros parajes menos conocidos y visitados, donde conoces el principio pero no el final, donde el riesgo se convierte en oportunidad, donde al final acabas haciendo tu propio camino. Es en este terreno donde la obra se radicaliza. Son tan importantes los nuevos caminos como las nuevas miradas.
Caminar por la línea “divisoria” entraña riesgo y dificultad, raras son las ocasiones en que se coincide con el camino, es una zona de transición donde hay que estar en movimiento, y resulta fácil pasarse al otro lado sin darse cuenta. Por ello se requiere un estado de entrega y de vigilia, que coincide con mi posición ante el arte y ante la vida.

“¡El arte es cosa muy larga para ser aprendida!, ¡y nuestra existencia tan corta!” Fausto, Goethe

Mesa de trabajo con Alex Bauza 10/11/2010

En el ocurrir del pensamiento archivístico se dan, al menos, cuatro acercamientos, si no más, que dificultan el entendimiento de este término de una manera productiva y no enfrentada desde diferentes colectivos. Por un lado, se encuentra el pensamiento filosofico, con Focault, Derrida, Deleuze y sus comentaristas a la cabeza; por otro lado, la práctica artística, que representa el «archivo» y sus «métodos»; además la práctica archivística en su día a día; y una creciente «teoría archivística» de la que el archivo había carecido antes en favor de una pronunciada praxis o dictado de reglas o modos de hacer.

Sin duda, de los pensadores que se han acercado al archivo, quizá sea Foucault el que mejor entendió y conoció los problemas de la archivística, sobre todo a la hora de definir un archivo: no es una suma, no es una biblioteca, no es un lugar de depósito, pero en sus negaciones también abre caminos que dan cuerpo a los problemas que nos acucian: no es una institución y no puede ser descrito. Abriendo esta praxis a la idea de «metáfora de lo que construye al individuo».

Sin embargo, la parte en que la archivística y Foucault no se encuentran es fundamental: el «archivo como nuestra forma de ser y existir», como a priori para todo, como lugar exterior asumido en forma de cultura marcada por una historia relativista.

Éstas, y muchas otras afirmaciones de Foucault, Derrida, etc., están siendo recogidas por archiveros que tratan de construir una teoría archivística desde el archivo y para el archivo, donde el cuadro de clasificación es el guión para un ocurrir; el archivero, un actor que interpreta un rol; y el documento y el propio archivo, algo que no «es» sino que «ocurre» (Terry Cook).

En todo caso, y siguiendo a Deleuze, ese archivo que ocurre representa la realidad tanto como la construye.

Es un consenso general que la importancia que ha tomado el «archivo» ha contribuido a su protagonismo cultural tanto como a la devaluación de la archivística como una mera herramienta sin pensamiento. Esa coexistencia entre protagonismo y devaluación, imposible en teoría, entre una praxis y un discurso, es la que se pretende salvar para completar nuestro pensamiento sobre las herramientas y conceptos que nos construyen.

CAROLINA GALIÑANES

Procesual
Imprevisible
Heterogéneo
Híbrido
Emocional
Siniestro
Íntimo
Insatisfacción
Inacabado
Experimental
Egoista
Búsqueda
Infiel
Orgánico
Caligráfico
Tipográfico

En todos mis proyectos cobra especial importancia la fase de proceso, que se convierte en lo fundamental en casi todos mis trabajos. El factor sorpresa, lo imprevisible,la incertidumbre ante la materialización de la obra; ver que tiene una evolución propia, son elementos que subyacen en todas mis piezas. A partir del discurso estético pretendo manifestar mis intereses e inquietudes personales; mis trabajos se convierten en la proyección de este mundo íntimo,son utilizadas como instrumentos de experimentación y expresión. Tal vez porque me comunico mejor así que a través de las palabras. Experimentar.Crear.Aprender.

Carolina Galiñanes estudió Diseño gráfico en la escuela de Arte nº10 e Historia del Arte en la UAM de Madrid. Actualmente está cursando el Master en Investigación y Creación de la facultad de BBAA en la Universidad Complutense de la misma ciudad.
Ha recibido varios premios de artes plásticas y diseño; entre ellos el primer premio del concurso Aurelio Blanco 2010 al mejor proyecto de diseño gráfico; o el primer premio al diseño editorial (2009) en la categoría diseñadores noveles concedido por el EMVS y el Ayuntamiento de Madrid. También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en la ciudad de Madrid, entre las que destacan: Espacio menosuno, Central de diseño (DIMAD) Matadero de Madrid, Escuela de arte la Palma, Escuela de Arte nº 10, Centro Cultural de Moncloa o Centro Cultural casa del reloj.
Es cofundadora del estudio de diseño y colectivo artístico CRUDO desde su creación en el año 2009 (www.estudiocrudo.com)

Matilde Olivera Tovar-Espada

Por qué trabajo con la pintura y el grabado, no lo sé. Son dos herramientas de expresión con las que me siento cómoda, no podría hacerlo con otras. Si veo algo que me llama de algún modo la atención, siento el impulso de querer transmitirlo.

Mis obras siempre se basan en el natural, el natural es mi modelo, le tengo un gran respeto. Trato de comprenderlo, captar su verdad y belleza, trabajar sobre ello y hacérselo ver a los demás.

Qué me llama la atención exactamente, de todo un poco. Especialmente la naturaleza, el modelo vivo. Una planta, un horizonte o la mirada de un amigo, en realidad cualquier cosa.

Flavia Mielnik

Mi proyecto personal, parte de una investigación arqueológica de la ciudad, a fin de poder unir temas como la memoria urbana, la apropiación de espacios vacíos y sus transformaciones, y los contrastes existente entre la presencia de estos espacios vacíos en diferentes ciudades.

Dicho proyecto, consiste en buscar residuos y rastros en las superficies de las distintas construcciones de la ciudad, que han sobrevivido a las transformaciones provocadas por el hombre y el transcurso del tiempo. Las ruinas, los solares abandonados, los territorios vacíos y silenciosos, las marcas en las paredes laterales de terrenos en demolición y las medianeras, son ejemplos de espacios en continua transformación que en el pasado tuvieron una historia, y que en un futuro significarán otra cosa. La intención es ambientar, a través del dibujo, la historia que pudo haberse desarrollado en esos determinados espacios, que fueron a su vez destruidos por máquinas o tractores, o por el simple pasar de los años.

El ritmo acelerado de los centros urbanos destruye poco a poco historias mínimas cotidianas, hábitos de vecinos en antiguos barrios de porcelana que comienzan a desaparecer. Tras una demolición, guardado entre tapias, los terrenos siguen silenciosos, como si casas aún estuvieran allí, como si una llave penetrara la cerradura de la puerta de entrada, una mano girara el pomo y una familia entrara en la casa, como había sido todos los días de su vida.

El proyecto viene desarrollándose desde 2004 en la ciudad de Sao Paulo y a partir de 2007 en Barcelona. Actualmente Madrid es la ciudad elegida como escenario para el trabajo que sigue desenvolviendo.

Video Cuadro 122. Sao Paulo, 2006

Serie Cuarto Plano, Sao Paulo, 2005

Serie Cuarto Plano, Barcelona, 2010

Bio

Flavia Mielnik (Sao Paulo, 1982) es Licenciada en Educación Artística por la Universidad Armando Alvares Penteado en Sao Paulo. Ha realizado una Especialización en pintura por la Permanent Escuela Massana en Barcelona y ha participado en talleres con artistas como Marta De Gonzalo y Publio Pérez, impartido por el Círculo de Bellas artes de Madrid y el Instituto de la Juventud. En 2008, el proyecto intitulado "Cuarto plano" ha ganado el "Premio Injuve de Arte Joven", en la categoría ejecución de proyectos. La obra ha sido expuesta en diverso centros de Arte en España, como el Circulo de Bellas Artes y ha itinerado por distintos países de Latino América en los Centros Culturales de España en colaboración con la AECID. En 2010 la obra volvió a hacer parte de la exposición retrospectiva y conmemorativa "25 años de Arte Injuve" y actualmente pertenece a la colección de arte de la Institución Injuve. Desde 2005 ha participado en diversas exposiciones colectivas tanto en Sao Paulo como en Barcelona destacando la "VI Bienal Internacional de Arquitectura de Sao Paulo" (2005) y la muestra de Arte Joven promovida por la "Galería Setba Zona d'Art" (2010) en Barcelona. Actualmente vive en Madrid y realiza estudios de Pos grado en la Universidad Complutense.

http://flaviamielnik.blogspot.com/

Dibujo_Estudios, Madrid, 2010

Dibujo_Estudios, Barcelona, 2010

DIEGO RIOS

“MANUELITA” es parte de una serie de piezas audiovisuales en las que exploro, analizo, tenso, distorsiono o subvierto la relación entre imagen y palabra, utilizando como banda sonora canciones y cuentos infantiles unidas a imágenes de la realidad sociopolítica actual.

Relatos de la ciudad de Madrid y otros readers

Después de la clase de ayer os paso un enlace a un blog que puede resultar interesante en el sentido de los branding de ciudad de los que hablábamos: http://madridciudadlogotipo.blogspot.com/2010/05/postales-de-madrid.html

También os incluyo los enlaces a los readers del Seminario II:
- Reader 1
- Reader 2
- Reader 3
- Reader 4
- Reader 5
También os dejo, por si alguien se perdió la clase o le interesa la versión expandida el artículo que presenté el pasado mes de noviembre de 2010 en el Congreso de Estética que organizaba la Universidad Autónoma en el Reina Sofía y en el que se basé mi clase de ayer.

Viviana Silva

Nos detenemos ante una imagen en particular, que no siempre ha sido seleccionada concientemente, sólo un instante y prontamente dirigimos hacia otro punto nuestra mirada, hacia la siguiente que puede ser de un lugar, una persona, un acontecimiento. Somos sujetos contemporáneos adaptados al despliegue de la información que por lo demás consumimos. Lo importante es no quedarse estancado desaprovechando el tiempo en una sola, lo que nos interesa es revisar la mayor cantidad de ellas;  ¿suspendernos? ¿para qué? ¿en qué?.  

El detenimiento, entendido como pausa y suspensión, es lo que permite que distingamos qué es lo que suponemos en un momento determinado debe permanecer. Lo significativo es reconocer que la selección surgida en la revisión, aquella de la que frecuentemente prescindimos, es la que hace posible la Historia, disciplina que para Barthes “es siempre y ante todo una elección y los límites de esa elección”, ya que ésta es la que da cuenta de que no es concluyente ni definitiva la experiencia histórica, que está sujeta a transformaciones e interrogaciones. Por este motivo es que las selecciones presentadas por Viviana Silva, efectuadas a partir de un cúmulo de imágenes fotográficas (que también son producto de una selección) extraídas por la autora durante años desde diversos medios de comunicación, se ponen en nuestra mirada, enfrentándonos, para que queden en nuestra memoria aquellos momentos históricos pertenecientes al siglo XX unidos por el binomio política-violencia.  

(Extracto del catálogo exposición Sala Juan Egenau, 2009, por J.Contreras)

Bio

Viviana Silva, es Licenciada en Artes por la Universidad de Chile y Diplomada en Medios Digitales por la misma casa de estudios. En su trabajo emplea técnicas pictóricas y gráficas, en algunos casos tradicionales, y en otros experimentando con materiales o desplazándose a otros soportes (como el metal), ligados a la orfebrería. Sus inquietudes tiene que ver con la construcción de la historia, la memoria, la violencia, lo social... Ha expuesto individualmente en la Sala Juan Egenau de la Fac. de Bellas Artes de la Universidad de Chile, y participado en varias exposiciones colectivas tanto en Santiago, Mendoza, La Paz y Tarragona, destacando la Bienal de Arte Contemporáneo de Bolivia SIART, el XXXI Concurso Nacional de Arte Joven en Valparaíso, Chile y el Centro Cultural Balmaceda 1215 de Santiago de Chile. Actualmente tiene una Beca Chile-CONICYT, para sus estudios de postgrado.