Estrategias de Identidad. El cuerpo, la Memoria y el Lugar. Prof. Antonio Rabazas. Master en Investigación en Arte y Creación. Facultad de BBAA. Universidad Complutense de Madrid.
Quizás quiso decir
Extrañar el lugar
Extrañar el lugar, verlo por primera vez, como el niño de la La piel del cielo de E. Poniatowska:
Madre ¿Allá se acaba el mundo?
¡Qué bien comenzar a conoceros en las entradas del blog de nuestro archivo doméstico!
Espero que las dudas vayan disipándose en la práctica navideña y a la vuelta podamos ver los recorridos transitados.
La última semana en la visita a la exposición comisariada por Huberman en el Reina Sofía tomé algunas notas para mí esclarecedoras del tema que nos ocupa. Espero que también tengan sentido para vosotros, sería bueno que pudiéramos compartir cuestiones, ideas claras, experiencias… Cualquier cosa que pueda crear un espacio común de intercambio.
- Ensayar sin partir de un axioma: ensayar para ver. Inventar nuevas reglas de juego y adoptarlas sólo si aportan algo, si son fecundas (actitud que los eruditos denominan heurística)
- Arqueólogo de la memoria
- ¿Cómo recoger el troceamiento del mundo? Hacer un Atlas significa renunciar al cuadro sintético, modificable al antojo de recomposiciones siempre posibles, de sus encuentros.
- Un Atlas suele caracterizarse por la coexistencia de maneras diferentes de representar un lugar: el paisaje se ve “criticado” por la cartografía misma.
- Es una manera de ver el mundo, de recorrerlo según puntos de vista heterogéneos asociados unos con otros.
- Tal vez no exista reflexión acerca de la historia sin una actitud genealógica y arqueológica que revele sus síntomas.
Trabajo desde mi. Desde la memoria. Desde la autobiografía (real o ficticia). Desde lo íntimo. Desde lo privado. Desde la mujer.
Trabajo con los tres conceptos que invaden mi obra: la "crisis", la "memoria", lo "íntimo". En definitiva mi trabajo es fundamentalmente identitario, pues se enmarca dentro de una constante búsqueda de la misma.
Además de esta obra de carácter personal, también trabajo dentro del ámbito de lo público y de la identidad colectiva formando parte de varios grupos.
Mi obra se compone de fotografías, videos, instalaciones, arte público, objetos... no me importan los medios, sino los conceptos.
Helena de la Cruz (Almendralejo, Badajoz - 1982) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia en la especialidad de Escultura, y se encuentra en posesión del CAP en la especialidad de Arte.
Realiza múltiples cursos relacionados con el diseño gráfico, web e industrial, actividad a la que se dedica de forma profesional.
Su curriculum artístico se compone de numerosas exposiciones colectivas y convocatorias artísticas entre las que destacan el Premio a la Mejor Videocreación de los VIII Premis Tirant (por la pieza colectiva "Anti-Spot", 2006); la XII Biennalle Internazionalle di Scultura di Carrara, Italia (2006); la beca de producción y exposición de obra IX Art Public, Valencia (2006); el International Digital Art Festival Intro Out, Tesalónica (Grecia, 2005); Optica Festival Internacional de Videoarte (2009) y Xperimentarte II Muestra de Cultura Digital (2009).
Compagina su trabajo individual con el colectivo dentro de los grupos Notequedesfuera (ya desaparecido), thisIShappening y La Musaraña.
No me importa el tiempo que necesite para llevar a cabo un proyecto, ni los medios que vaya utilizar.
Construyo metodologias de trabajo poco convencionales, que me sirven para vivir la experiencia artística de una forma estúpida o irracional, con el fin de crear mi propia identidad entre lo humorístico y lo lúbrico, recurso que utilizo para criticar, conectar y acercarme al público.
Santiago Lara (Tomelloso, 1975) compagina su trabajo pictórico individual con la experimentación audiovisual del colectivo Laramascoto. Inició sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de San Carlos de Valencia y se licenció por la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado cursos en l’École des Beaux Arts de Bordeaux. Tras dos años en Francia, principalmente en París, se instala en Asturias, aunque pasa temporadas en Berlín, donde ha realizado proyectos y exposiciones en lugares como la Kunstlerhaus GlogauAIR y la Bethanien Kunstraum Kreuzberg. Entre sus premios y becas se encuentran la Beca AlNorte, el premio Antonio López, premio Ángel Andrade y la subvención de la Fundación Municipal de Cultura de Gijón para el proyecto Hombre-Medicina de Senegal. Ha participado en Emergent 08. Mostra de Creació audiovisual de Lleida; Foconorte y Lumen_ex, y su obra ha sido exhibida en lugares como LABoral Centro de Arte y Creación Industrial, la Sala Borrón, Galería Cornión, Galería Guillermina Caicoya, Proyecto Circo de La Habana, Arte Lisboa, Arte Santander, o la Saatchi Gallery de Londres.
"A la narratividad concentrada y extremadamente sugerente que presentan sus obras contribuye sin duda ese remanente surreal, pero también los componentes románticos de su pintura y su interés en las narrativas del cómic, el cine o la literatura, particularmente la filosófica y la científica, en pos de lo que Lara describe como "un intento de deconstrucción de la historia, de vuelta a la base, a los planteamientos vinculados a la naturaleza. La fe en la pintura como soporte capaz de sustentar un repertorio estrictamente contemporáneo de conceptos y la fusión en pie de igualdad de métodos tradicionales con la "nueva creación" basada en tecnologías audiovisuales se encuentran en la base de su trabajo." (J.Carlos Gea)
Lo que pretendo a través de mi trabajo es realizar una especie de deriva a través de mi propia historia tanto espacial como temporal. De manera inventada o no, creando nuevos relatos que conforman una identidad y generan un espacio fisico.
Eva Solano es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Hoschschule der Künste, Berlín. Reside en Madrid dónde trabaja como ilustradora freelace, profesora en el Instituto Europeo di Design y diseñadora gráfica. El trabajo personal de Eva Solano se inspira en lo cotidiano y parte de el para conformar historias privadas que ella utiliza para configurar una identidad propia. “ lo que dibujo es lo que soy” . La vida en la ciudad, la naturaleza, sus amigos y los animales son constantes en su trabajo basado en el dibujo , la fotografía , el video y, ultimamente la instalación. Su obra repleta de un profunda carga emocional, conecta directamente con el espectador por la sencillez y la sinceridad que trata temas como la soledad, el amor, los miedos, los deseos, los desengaños y en general, el vacío existencial que asola la sociedad actual. www.evasolano.com
siempre intento sugerir mediante elementos simbólicos
normalmente experimento y busco nuevos lenguajes
todavía trato de compremeterme
a menudo
encuentro la dualidad que busco ocasionalmente consigo transmitir un sentimiento
a veces me gustaría ser más directa
raramente renuncio a mezclar distintas disciplinas
nunca intento hacer arte, sólo expresarme
jamás me enfrento a un proyecto sin reflexionar
(Pausa. La exploradora deambula por el espacio tratando de encontrar un rincón suficientemente propio)
NOTA CURRICULAR
Licenciada en Escenografía por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD) y diplomada en Diseño Gráfico por la Escuela de Arte Diez de Madrid.
Es colaboradora habitual del escenógrafo José Luis Raymond con el que ha realizado gran cantidad de trabajos entre los que destacan La Comedia nueva o el café (CNTC), Presas (CDN), La tortuga de Darwin (Teatro el Cruce) o Las visitas deberían estar prohibidas por el código penal (CDN) todas ellas dirigidas por Ernesto Caballero. También El guía del hermitage dirigido por Jorge Eines (Pentación Producciones), Silencio, vivimos dirigido por Josep María Mestres (Compañía Varela Marsillach), o Al menos no es Navidad escrita y dirigida por Carles Alberola. Entre sus trabajos individuales como escenógrafa y figurinista destacan Maniquíes escrita y dirigida por Ernesto Caballero, El color de la justicia (Festival Escena Contemporánea), Ríanse del hipopótamo (CBA), Diktat (Teatro Fernán Gómez) y La Ronda (Sala Réplika) todas ellas dirigidas por Javier Hernández Simón, Jhonny cogió su fusil dirigido por Jesús Cracio (Sala Cuarta Pared), Reflejos de la lámpara, La Gran Cenobia (Festival de Teatro Clásico de Almagro), Mimisterio del interior, Fando y Lis o Stabat Mater (Sala Cuarta Pared). Como diseñadora gráfica ha trabajado para empresas como Canal +, INJUVE, 611 Teatro, Delitto e Castigo o MACUF y es cofundadora del estudio de diseño Crudo (www.estudiocrudo.com) Ha participado en exposiciones colectivas en La Casa Encendida de Madrid, el Centro Huarte de Arte Contemporáneo, la Escuela de Arte Diez o la Escuela de Arte la Palma.
Walter Benjamin (1892-1940) se ha convertido en el intérprete privilegiado de las transformaciones más características de nuestro tiempo: la mercantilización generalizada, la nuevas formas cognoscitivas, la crisis de la experiencia histórica tradicional... Walter Benjamin. Constelaciones propone una intervención contemporánea en su pensamiento a través de tres estrategias expositivas inmateriales y distintas actividades paralelas: encuentros, talleres, publicaciones…
Constelaciones: Una “reflexión en imágenes” en torno a algunos conceptos centrales de la obra de Walter Benjamin. Se trata de un conjunto de citas audiovisuales –escenas de películas, fotografías, pinturas, grabaciones sonoras, animaciones, documentos históricos…– articuladas según una metodología que desarrolló el propio Benjamin.
Atlas Walter Benjamin: Una herramienta que permite navegar por una selección de textos benjaminianos unidos por hipervínculos. El Atlas cartografía las posibilidades de agrupación y relación hipertextual de más de mil términos y textos. Así, profundiza en la estrategia benjaminiana de sacar a la luz constelaciones teóricas insospechadas mediante el engranaje conceptual de ideas, textos o materiales aparentemente alejados entre sí.
Modelos de audición: Nuevas locuciones de tres de los guiones que Benjamin elaboró entre 1929 y 1933 para la Radio del Sudoeste de Alemania en Fráncfort: “Alboroto en torno a títere”, «¿¡Aumento de sueldo!? ¡Pero qué dice!» y “Qué leían los alemanes mientras que sus clásicos escribían”
Lugar: Círculo de Bellas Artes de Madrid. Calle Alcalá, 42 28014 Madrid Metro: Gran Vía. Banco de España. Información de la página: http://www.circulobellasartes.com/benjamin_constelaciones/
Le acabo de avisar a Sara Sama, la profesora de Antropología de la UNED, que dio el taller en Tabacalera la semana pasada, que posponemos su visita al mes de enero. El motivo es la realización este martes en la Facultad de un Seminario de Doctorandos que organiza el proyecto I+D "Imágenes del arte y reescritura de las narrativas en la cultura visual global" y que tendrá lugar el martes desde las 9h, en La Trasera de la sala de exposiciones de la facultad de bellas artes (UCM). A las 16:00 horas comienza la sesión de tarde. Posteriormente estaré en el Aula 122 para tener tutorías con aquellos alumnos que lo deseen.
Fotografía de la Izquierda: ¿De dónde vienen?, ¿Quiénes son?, ¿A dónde van?.Intervención en Lavapiés (Imgen nº1 de la serie). 2006. Fotografía de la derecha (inferior): Río con retorno. Video arte. Intervención en Altea. 2007.
Licenciado en Bellas Artes en la Universidad complutense De Madrid. Mi último curso lo realicé en la Universidad Miguel Hernandez de Bellas Artes de Altea (Alicante) con una Beca Séneca. Mi primera exposición la realicé cuando tenía 14 años en la sala de Exposiciones del I.N.E, la cual, fue publicada en el periódico El Mundo. En general, desde que ingresé en la universidad de Bellas Artes, toda mi obra ha sido siempre muy discursiva, vinculada a la filosofía estética, la sociología, el medio ambiente, la antropología o la política. Las obras más recientes están muy ligadas a la idea de intervención en espacios urbanos y "site specific". Los formatos siempre fueron muy heterodoxos, de ser pintor pasé a la mezcla de disciplinas como la video instalación, el graffiti o el happening. Toda esta obra genera mucha documentación que finalmente expongo en galerías, preferiblemente espacios donde el espectador se sienta como en casa. Mi primera intervención tuvo lugar colectivamente en un espacio de encuentros esporádicos sexuales gay, donde intervenimos un día 5 artistas con nuestros trabajos, abordando la temática de la identidad sexual. También realicé grafitis efímeros en Lavapiés donde abordé el tema de la emigración. En otras intervenciones, como la que realicé con la organización Ecologistas en Acción, colaboré con un video arte llamado “Río con retorno”: http://www.youtube.com/watch?v=mwKh2DiuPyI . Este video fue proyectado en el casco antiguo de Altea, y era una denuncia a los intentos por canalizar el río Algar y a las especulaciones hechas por empresas de construcción, ya que éste ámbito natural tenía especies y plantas en peligro de extinción. Se decía que la empresa en cuestión estaba arrojando escombros al río para cortar su flujo y así tener la justificación de “renovar el espacio natural”. En el 2007 viajé a Londres y abrimos un colectivo de arte y cine llamado Rotoreliefs (www.rotoreliefs.com). Del que fui co-fundador y comisario durante los tres últimos años, y que hace 6 meses lo dejé porque volví a España. Con Rotoreliefs colaboré como artista y comisario en diversas exposiciones. Las tres más importantes fueron: “Beyond the abject”, que fue una exposición interdisciplinar, con artistas internacionales celebrada en Area 10 art Project space, en el festival llamado Collision festival 08 (www.collision.org.uk); más adelante realizamos “Gaze and Body”, exposición de video arte, video danza y performance, realizada en Vibe Gallery, Brick Lane en 2009; “Spinning Tongues”, exposición interdisciplinar realizada también en Vibe Gallery, Brick Lane. Durante este período en Londres hice una intervención pirata en la Tate Modern, bajo el seudónimo Oops, llamada “Gallery closed for renovations”, donde cuestionaba y exploraba los mecanismos publicitarios en todos sus formatos; en Internet, prensa, e-mail y soportes en papel. (Si alguien le interesa ver la documentación de esta intervención que me manda un e-mail a artesbailon@gmail.com). Más adelante, con el mismo seudónimo Oops, colaboré con STCK (Stocke Newington International Airport http://www.stkinternational.co.uk/STK/STK.html), colaboré en Glastonbury Festival en un pequeñísimo espacio preformativo con la obra “Lost in traslation”, performance que también fue presentada en el 2009 en el espacio industrial donde este colectivo realizan sus actuaciones, en un espectáculo de performances llamado "Speed dating performances". La última exposición donde he colaborado fue este verano en una exposición colectiva de los “6 años de imagen en movimiento” de los alumnos de la universidad de Altea, realizada en el Círculo de BBAA de Valencia, donde colaboré con el video titulado “Río con retorno”. Se puede ver algo de mi obra en www.rotoreliefs.com/nachobailon . Pero no está actualizada. Faltan los dos últimos años, es decir, casi todo lo que considero más interesante.
El próximo lunes hemos quedado, a las 15:30 hs en la puerta antigua (Edificio Sabatini) para visitar la exposición Atlas en el Reina Sofía. Finalmente no será necesario llevar vuestros carnets ni comprobantes de pago, porque vamos con un documento que facilitará el acceso a todos los alumnos del master. Por lo demás se recomienda llevar cámaras de fotos y aquellos elementos necesarios para trabajar activamente con la exposición como nuevo material que incorporar a vuestros futuros dispositivos, como nueva documentación.
Os recuerdo que tenéis pendiente de realizar vuestra entrada al Archivo del Master: Título: vuestro nombre. Etiqueta: MAC 2010-2011 ARCHIVO (la podéis seleccionar pinchando en Mostrar todo).
Si alguien quiere hablar conmigo sobre el estado de sus dispositivos o dudas que hayan surgido al respecto puede hacerlo el lunes o el martes, o mandarme un correo para concertar una tutoría en cualquier momento.
me acaban de llamar del taller Urbanearte, para decirme que vendrán a nuestra Facultad para hacer la jornada de intercambio en la que nos contarán el desarrollo del proyecto Prosumidores. Por lo tanto esta tarde NO asistiremos a TABACALERA. Nos vemos en el Aula 122 a las 15:30.
El próximo lunes la clase está cedida a la actividad conjunta de masters que coordinan Beatriz y Selina. Por tanto no habrá clase. El martes si. Si os parece bien nos reuniremos a las 15:30 en el Aula para charlar un poco sobre la práctica a realizar en este Seminario II de Estrategias. A las 16:30 partiremos, caminando, rumbo a Tabacalera para asistir al taller URBANEARTE, del que os adjunto información. El que quiera llevar materiales con los que haya trabajado en relación a la ciudad serán bienvenidos. Esta actividad está pensada para los dos grupos del master, así como la del lunes 20 de diciembre.
Urbane@rte
14.12.2010 18:00h - 20:00h
Lugar: CSA La Tabacalera de Lavapiés (Calle Embajadores 53 Madrid)
Octava y última sesión de la serie de talleres que lleva por título Prosumidores. Lógicas de consumo/producción en las culturas de la red. Este taller está conducido por Gloria G. Durán y Sara Sama y versa sobre procesos de intervención artística y estética en entornos urbanos.
"La vida en la ciudad afecta el modo y estética con que la representamos. Así como las formas analógicas de habitar la ciudad han influido en la construcción del movimiento y la imagen en y de entornos digitales, éstos repercuten en cómo actualmente imaginamos la ciudad. En esta sesión abordaremos procesos de intervención artística y estética. Y lo haremos a partir de nuestras propias intervenciones urbanas –en el sentido, muy amplio, de juegos expresivos con voluntad de estilo. Éstos emergen en formas tanto no como off-line, desde los terrenos de la plástica, el performance, el arte visual.. Y desde cualquier otro en que alguien sea capaz de mostrar una “identidad” propia. Degustaremos estas expresiones artísticas a partir de los lugares-e en que se han colgado (webs, blogs, sitios-e, etc.), comentando su recorrido desde la producción, el registro visual y la difusión. Posibles especímenes urban@rtisticos: videoarte, videoproyecciones en espacios públicos, graffiti, lightgrafitti, stickers, producción de imágenes y textos a partir del urbex (exploración urbana), parkour, skate o la más clásica deriva, danza, teatro, flashmobs y otras formas de expresión situacional. Si tu manera de urbane@rte no cuadra con lo anterior o has inventado la tuya propia, éste es un lugar para exponerlo."
Esta es la publicación que anualmente realizan los estudiantes de Escultura y Espacio Transmedia con la Prof. Eva Grubinger de la Kunstuniversität de Linz, Austria.
¿Sencillo o complejo? El equipo 5 Camilo Álvarez Mera, Eva Espinosa Moreno, Daniel LLaría Gaspar y Milena Gröpper plantearon una propuesta de intervención en las infraestructuras, lo llamaron "Humanizando el metro" dejo los links de dos de los ejemplos de "interfaces" a los que aludieron.
Después de la primera sesión del Seminario II nos hemos reunido Antonio y yo para debatir las propuestas que planteabais sobre que el caso práctico de la asignatura tuviera como punto de partida vuestros proyectos de fin de master y no la documentación del primer seminario. Hemos decidido que el marco del dispositivo planteado en este segundo seminario puede ser, tal y como se propuso en un inicio, la documentación del primer proyecto (para de esta manera terminar la propuesta planteada desde la asignatura) o en los casos que consideréis concluida la primera parte aceptaremos que la documentación del dispositivo sea otra (relacionada o no con el trabajo de fin de master). Se trata de poder profundizar y estudiar a fondo, bajo crisoles diferentes, un punto de partida común y de esta manera consolidar este estudio desde diversas perspectivas y enfoques y a la luz de nuevas relaciones lo suficientemente amplias como para que tengan cabida propuestas que habíais desechado hasta el momento así como otras lecturas y líneas de investigación que podáis estar desarrollando actualmente. De esta manera terminaremos de dar forma a la publicación que se pretende realizar como resultado de esta asignatura del master y que comprenderá tanto los artículos como los dispositivos y eventualmente una exposición de todos estos trabajos. Insisto en este sentido en que creo que lo importante desde la asignatura es no perder de vista que el objetivo es encontrar vías y modos de plantearnos nuestra aproximación a la investigación y a la creación. En este sentido la asignatura de Estrategias plantea un estudio de caso que después puede serviros para extrapolar en futuros trabajos.
Hemos abierto una cuenta donde podéis ver los documentos del Seminario 1 y los que iré subiendo del Seminario 2. Hasta ahora el reader de la primera sesión, la ficha técnica del caso práctico, el pdf de la presentación y el calendario del Seminario 2. Cualquier duda o comentario no dudéis en concertar una tutoría o escribirme un correo electrónico.
Os dejo este link de Fabian Seiz como podéis comprobar perfectamente podríamos seleccionar su trabajo para nuestra exposición sobre la línea circular 6.
¿le invitamos?
Quizás obviar lo literal y fenoménico de la realidad, (en este caso el metro) lo obvio y los lugares comunes y trabajar con modelos y procesos más abstractos, nos permitiría introducir en estudios de casos concretos -como el que nos ocupa-, ideas propias y planteamientos procesuales estrictamente personales.
De esta forma casaríamos la falsa dicotomía del ejercicio de clase que no tiene nada que ver conmigo y mi propio TFM
Uno de los vídeos que comencé a proyectar en clase, pero no se oía bien porque no teníamos audio!! Ya está disponible la etiqueta MAC 2010-2011 ARCHIVO para que podáis ir incluyendo vuestras entradas.
Este lunes y martes iniciamos el segundo seminario de la asignatura. La primera parte estará dedicada a las estrategias documentales. Me parece importante acompañar cada una de las sesiones con un reader que pueda ayudar y hacer más compleja la aproximación a los temas sobre los que iremos trabajando. En principio los colgaré en el blog.
Me parece muy interesante el tema, podemos reflexionar sobre los espacios para los niños en la ciudad. Desde el concepto de los “Adventure playgrounds”.
La red de Adventure Playground se extendió por casi toda Europa, especialmente por los países nórdicos, Francia, Suiza, Alemania y Holanda, pero hoy en día existen también fuera de Europa, por ejemplo en Japón y Estados Unidos, y hasta los hay especialmente diseñados para niños con discapacidades.
Todos tienen en común que son espacios en continua construcción y destrucción (“Un buen “adventure playground” nunca es estático”, Bengtsson, 1974) donde impera el juego libre y el niño tiene la posibilidad de crear su propio espacio de juego. Suelen contar con la presencia de monitores que supervisan las actividades, pero siempre de forma no intrusiva, dejando via libre a los niños. Detrás de este juego libre, el niño practica el trabajo manual, desarrolla su imaginación y creatividad, colabora y se relaciona a un nivel mucho más grande que en un parque convencional, fomentando el trabajo en equipo y se transmite un mensaje de reutilizar y crear desde lo viejo, promoviendo un mundo más ecológico. Además, muchos de estos espacios de aventura incorporan áreas de huerto y jardinería y zonas con pequeños animales de granja, todo un lujo en medio de la ciudad.
Y aunque aparentemente la seguridad en estos parques parezca menor que en los tradicionales, hay estudios que demuestran que es todo lo contrario. Los niños están más pendientes y concentrados en el juego y el número de accidentes es menor.
Small Scale, Big Change: New Architectures of Social Engagement(octubre 3, 2010 hasta enero 3, 2011) presenta once proyectos de construcción en los cinco continentes que dan una arquitectura innovadora a las comunidades marginadas atendiendo a las necesidades funcionales de sus diseños con el objetivo de tener un amplio efecto positivo en las comunidades donde trabajan, como colaboradores en la transformación social, económica y política más allá de los límites de sus sitios a menudo modesta. Además de los nuevos modos de diseño participativo, los proyectos expuestos incorporan pioneras prácticas ecológicas y socialmente sostenibles específicos del sitio, incluyendo la exploración de los materiales nuevos y tradicionales.
Tres redes basadas en Internet-foros en los que los dirigentes comunitarios, arquitectos, y la información no gubernamentales y las organizaciones comparten la experiencia también son destacados en la exposición, ampliando su alcance más allá de los proyectos individuales para incluir a los interesados en diversas áreas de práctica en todo el mundo.
Estos proyectos han sido seleccionados de un número cada vez mayor de iniciativas similares en todo el mundo, ya que ejemplifican el grado en que los arquitectos pueden orquestar el cambio, priorizando el trabajo que tiene un impacto social, sino también los saldos de las preocupaciones muy reales de costo, programa y la estética. Tienen éxito en la prestación de las comunidades no sólo con los espacios físicos, sino con oportunidades de auto-determinación y un mayor sentido de identidad. Como resultado, estos arquitectos son los diseñadores de edificios y moderadores del cambio. Sus metodologías de integración podrían servir de modelo para la profesión en general. http://www.moma.org/interactives/exhibitions/2010/smallscalebigchange/index.html
Siguiendo el hilo de cortometrajes de animación publicados. Aquí un cortometraje de Alexander Petrov basado en la novela homónima de E. Hemingway.
La particularidad de este cortometraje reside en que se hizo con pintura. Se utilizaron unas 29.000 planchas de vidrio. pintadas con óleo de secado lento a base de petróleo y pastel, durante unos diez años.. Además se adapató una cámara Imax para rodar cada frame, lo que le valió a su autor el correspondiente reconocimiento por parte de la academia.
En youtube está dividido en 7 partes, solamente he puesto la primera.
Jacco Olivier es pintor y creador de películas, fusiona la pintura y las imágenes en movimiento para crear cortos íntimos de animación. Pintando lo más simple posible con pinceladas casuales, cada pintura está trabajada repetidamente y fotografiada sistemáticamente en cada estadio de su desarrollo. http://www.marianneboeskygallery.com/artists/jacco-olivier/video/
Fotointerpreta 2010
Francisco Navarro Herrera crea una serie de fotografías a partir de un texto La duración del libro Devoradores de Antonio Pomet
El espejismo de la gran capacidad de elección que el hombre occidental se otorga ha terminado por nombrar como la más grande de las elecciones, precisamente, a la que le despoja de todas ellas. No podemos vivir siempre, pero sí decidir cuándo dejar de estar vivos. Estamos condenados, de un modo más o menos literal, a habitar la muerte, ese parnaso al margen de la voluntad y la culpa. No sólo la sufrimos como final, también convivimos con ella, la degustamos. Este proyecto está cifrado en torno a la idea posmoderna de la muerte como deseo. No pretende tanto abordar la muerte como parte de la condición y la vida humanas, sino como fin último reconocible de los límites del conocimiento. La falta de identidad del hombre contemporáneo provoca en él la idea de la muerte como aspiración, como apetito, del mismo modo que la identidad, la pertenencia, le legó antes la idea de supervivencia. Las fotografías y los relatos de este proyecto estarán protagonizados por hombres y mujeres que buscan algo imposible de hallar: el sentido del recorrido cotidiano que trazan hacia su desaparición.
El hombre contemporáneo ha perdido la noción de pertenencia y ha abrazado una nueva noción de identidad, arraigada no en una cultura ni en una historia, sino en lo desechable. La desvinculación del hombre con su pasado lo desarraiga de su propia visión de futuro, y lo inserta para siempre en un territorio estático y cerrado, donde nada se relaciona con nada, donde el pensamiento es castrado. El hombre contemporáneo ha dado un paso de gigante, pero hacia atrás: como un animal cualquiera, vive el presente, entiende el presente y rechaza cualquier vindicación de su pasado, o lo que es lo mismo, de su cultura. La suya es, otra vez, una existencia puesta al servicio del ahora. La contemplación pudo ser en el pasado aquello que definía y separaba al hombre del resto de animales. La comprensión de sí mismo y del mundo -y de sí mismo en el mundo- la concedía no un concepto estático, sino algo abstracto, subjetivo, móvil, contradictorio y profundamente humano: una intuición. La intuición de la duración. La imposibilidad del hombre contemporáneo de percibir el tiempo subjetivo, el tiempo psíquico, el verdadero tiempo, al que ha confundido con el tiempo de la física, funciona hoy en día como catalizador o resumen de la negación de pertenencia e identidad. Los personajes de esta exposición, como los personajes del libro que interpreta, son incapaces de percibirse dentro de una existencia con continuidad donde el presente conviva con el pasado y el futuro. Parecen no existir. Sin embargo parecen conscientes de ese hecho. Son conscientes de su inconsciencia gracias a ese mecanismo que despliega toda su fuerza únicamente en el terreno del arte: la paradoja, el continente de la contradicción. Aquello que, en última instancia, ha fundado su argumento, explicado su historia, sus acciones, su carácter, el encuadre, la composición, la luz. Aquello que, por otro lado, da una explicación a la idea de que la muerte, la finitud, pueda formar parte -hoy que en apariencia todo puede ser pensado y saciado- de ese territorio que llamamos deseo. Texto: Antonio Pomet
Antonio Pomet
Colección Narrativa. Pretextos
Devoradores
Cifrados en torno a la idea posmoderna de la muerte como deseo, los relatos de Devoradores tienen en común, según Luis Mateo Díez, “un estilo literario muy escueto, casi lacónico para narrar escenas de la vida cotidiana que sufren un giro y cambian de forma radical, llegando a ofrecer al lector escenas muy perturbadoras y sugerentes”.
El espejismo de la gran capacidad de elección que el hombre occidental se otorga ha terminado por nombrar como la más grande de las elecciones, precisamente, a la que le despoja de todas ellas. No podemos vivir siempre, pero sí decidir cuándo dejar de estar vivos. Los personajes de este libro están abocados, de un modo más o menos literal, a habitar la muerte, ese parnaso al margen de la voluntad y la culpa. La pareja que intenta lanzar al océano una bolsa con un cuerpo dentro, los voluntarios de la zona cero de Manhattan rastreándose a sí mismos, o el arquitecto que trata de encontrar cifras en una sierra para entender el amor que siente y el asesinato que planea cometer son ejemplos de hombres y mujeres contemporáneos, cansados y agresivos, en busca de algo imposible de hallar: el sentido del recorrido cotidiano que trazan hacia su desaparición.
Antonio Pomet (Granada, 1973) ha sido profesor de literatura y periodista para Rolling Stone y El País. En 2003 publicó Mil perros dormidos, premio Andalucía Joven de Narrativa (DVD ediciones). Devoradores es su segundo libro de relatos.
Os lo debía, os comenté en clase la escena del metro en la la que Pere Portabella en Die Stille vor Bach nos hace repensar las fronteras entre las artes visuales y la vida. La pieza es la Suite no 1 for Cello - part 1 de Bach.
Peter Frankfurt (Estados Unidos, 1958) de Imaginary Forces (Estados Unidos, fund. 1996), Greg Lynn (Estados Unidos, 1964) de Greg Lynn FORM (Estados Unidos, fund. 2001) y Alex McDowell (Gran Bretaña, 1955) de Matter Art and Science (Estados Unidos, fund. 2001)
New City (2008) es un lugar virtual “real” a visitar y explorar. Es todo un mundo enriquecido por una profunda intención arquitectónica, con el foco puesto en el diseño y la innovación. Un laboratorio orientado a experimentos con pautas de visualización, información, simulación y experiencia; una extensión natural de nuestro planeta y un espacio para la concatenación de ciencia y ficción. El mundo siempre tuvo la forma que la percepción de las personas le dio. Descubrimientos e innovaciones conducen a una comprensión del planeta como una esfera rotatoria. En esta convergencia de arquitectura, información, narrativa y comunidad que muestra la Tierra como una ciudad, este nuevo mundo virtual es una variedad en el sentido matemático del término: una superficie que permanentemente se envuelve a sí misma, capturando infinitas dimensiones de espacio-tiempo. La instalación de New City, consiste en un audiovisual computarizado proyectado en loop desde doce proyectores sobre doce pantallas, en una habitación cerrada con reminiscencias de cueva, creando una experiencia inmersiva.
Design and the Elastic Mind es una muestra de los últimos avances en diseño y, también, un pantallazo de lo que nos depara el futuro. La exposición explora la relación recíproca entre ciencia y diseño en el mundo contemporáneo, aunando más de 200 objetos y conceptos de diseño que enlazan las más avanzadas investigaciones científicas con la comprensión atenta de las limitaciones, los hábitos y las aspiraciones de los seres humanos, al poner en evidencia la capacidad de los diseñadores para recibir los cambios que actualmente atraviesan la tecnología, la ciencia y la historia, y que requieren o reflejan reestructuraciones más generales en el comportamiento humano, así como su habilidad para traducir estos procesos en objetos que la gente puede realmente entender y usar. A lo largo de los últimos veinticinco años, y cruzando fronteras tan significativas como lo fueron la introducción de las computadoras personales, la aparición de Internet y de la tecnología Wi-fi, el modo de existencia de los seres humanos atravesó cambios radicales en diversos patrones como tiempo, espacio, materia e individualidad. Las personas se enfrentan a diario con docenas de cambios de escala y magnitud, trabajando sobre diferentes usos horarios, viajando con facilidad de mapas de satélite a imágenes nanométricas, moviéndose permanentemente entre flujos de información desbordante. Si la adaptabilidad es uno de los atributos tradicionales de la inteligencia, las variaciones instantáneas de ritmo a las que asistimos hoy en día requieren algo más: elasticidad, la resultante de la suma de adaptabilidad y aceleración.
Design and the Elastic Mind incluye objetos, proyectos y trabajos conceptuales desarrollados por equipos de diseñadores, científicos e ingenieros de todo el mundo, en un espectro que va desde la nanotecnología hasta la escala cosmológica; desde dispositivos microscópicos hasta automóviles y desarrollo de interfaces; desde soluciones pragmáticas para el uso diario hasta provocativas ideas apuntadas a influir nuestras decisiones en el futuro.
La muestra comienza a una escala verdaderamente pequeña, con un display que intercala experimentos científicos sobre nanoestructuras con la interpretación de las posibilidades e implicancias de las nanociencias desde y para el diseño. Los visitantes luego se encontrarán con un área consagrada a la escala humana, con un montaje de escenarios e ideas de diseño orientado a fogonear el debate y la reflexión sobre los modos en que la sociedad vive actualmente y vivirá en el futuro, así como a fomentar acciones de diseño que sean, en la misma proporción, responsables y elásticas. La exhibición concluye a una escala de magnitudes mucho mayores, al explorar la dimensión de la ciudad, del mundo y de la World Wide Web.
Muy recomendable visitar la página web.
El site Design and the Elastic Mind Web, ideado y diseñado por el renombrado diseñador web Yugo Nakamura para tha ltd, alberga 285 proyectos, incluyendo todos los de la exhibición y otros cincuenta proyectos adicionales exclusivamente online. Los proyectos y sus fichas técnicas, una selcción de contenido multimedia, una bibliografía y una lista de links funcionan como un archivo de la exhibición. Agrupamientos conceptuales y vínculos dinámicos entre las obras ayudan a visualizar los temas de la exhibición y brindan a los usuarios una plataforma de interactividad con los contenidos de la muestra.
Site: http://www.moma.org/exhibitions/2008/elasticmind/
por MoMA
En el otro extremo de la tecnología os dejo este link de Krzysztof Kieslowski, http://www.77cuts.com/ un viaje en metro con la estética de los trabajos sobre los rituales de Maya Deren
Artista australiano que también trabaja con tilt-shift. En su web, dice ser el pionero en esta técnica, que ha aplicado tanto en su obra personal "Small World`s Project" como a encargos publicitarios. http://keithloutit.com/
